Art du XXème siècle dans les collections printemps-été

DANS UNE TETE DE WONDERZINE CONSTANTE parle des tendances du podium qui peuvent être adaptées à votre garde-robe pour les six prochains mois. Dans ce numéro, nous traitons de la tendance la plus brillante de la saison - l’art, qui est apparu dans les collections printemps-été de designers de Prada à Prabal Gurung.

Comment tout a commencé

Les idées du monde de l'art ont toujours influencé la conception des vêtements et des tissus. Dans les années 1920, les avant-gardes et les fauvistes, dirigés par Henri Matisse, ont influencé la mode, que l’on retrouve dans les vêtements de Paul Poiret. Madeleine Vionne adorait le cubisme et utilisait des formes et des lignes géométriques dans ses vêtements. L'artiste futuriste Ernesto Tayat a conçu le logo de sa maison Vionnet. Dans les années 30 vint la passion du surréalisme. Elsa Schiaparelli a créé des boutons en forme de bonbons et d’arachides et était amie avec Salvador Dali et Jean Cocteau. Elle a montré la robe en soie avec des homards, la veste représentant une femme dont les longs cheveux longe la manche et les bras autour de la taille. Celles-ci et d'autres idées surgiront plus d'une fois dans les designers modernes, y compris russes (pensez à la collection d'Alexandre Terekhov Automne-Hiver - 2013).

Les années 50 et 60 sont devenues un moment où la mode, la musique et l'art se sont mêlés, et l'émergence de la télévision couleur a complété la percée de la culture visuelle. Dans le même temps, une culture de la consommation, une réplication et un marché de masse ont émergé - tout ce qui n’a pas perdu de sa position jusqu’à présent. Les jeunes ont afflué dans les collèges créatifs et les universités et, à Londres et à New York, il est devenu à la mode d’être un designer, un photographe, un modèle, un graphiste ou un créateur de mode (et n’a jamais cessé). Les designers se sont reconvertis dans les stars du rock (par exemple, Pete Townsend de The Who ou Keith Richards de The Rolling Stones), et les artistes ont créé des affiches pour des concerts et des pochettes d’albums, des œuvres apparaissant sur chaque lampadaire.

Les noms des artistes du pop art savent tout: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol - ils ont été les premiers à refléter la société de consommation et la culture populaire, décrivant ce qui intéresse les gens ici et maintenant (publicité, télévision, produits en magasin). Le père du pop art est considéré comme le Britannique Richard Hamilton, qui a créé le tout premier et le plus célèbre collage "Alors, qu'est-ce qui rend nos maisons si différentes, si attirantes?" en 1956. Roy Lichtenstein a expérimenté avec des images de bandes dessinées et de dessins animés. Andy Warhol, avant de devenir artiste, a travaillé comme illustrateur, semble-t-il, dans toutes les rédactions à la mode de New York, a noué les bons contacts et a donné le feu vert au mélange des genres. The Velvet Underground, sponsor de John Cale of Warhol, était marié à la créatrice de mode Betsy Johnson, qui a récemment repris la production de vêtements à l'âge de 72 ans. À l'époque, Betsy avait créé des t-shirts amusants sous la marque Youthquake et avait travaillé dans l'un des principaux magasins new-yorkais de l'époque, Paraphernalia on Madison Avenue, en collaboration avec Edie Sedgwick et Warhol, qui peignaient ensuite du papier pour le magasin. mini-robes et sacs à provisions (les vêtements jetables sont alors devenus à la mode).

C’était à l’apogée du pop art dans les années 60 qu’il fallait créer un design rapide et bon marché - les magasins ont rapidement répondu aux demandes des clients. Par exemple, le magasin Biba situé sur Abingdon Road met à jour ses collections toutes les semaines - il s’agit d’une technique qui fonctionne désormais avec succès sur le marché de masse. Twiggy a écrit: "Tout est passé de la mode aussi vite qu'il était venu. Cependant, seule la modernité a attiré, elle a repoussé tout ce qui était vieux."

Ignorer le pop art était impossible. Yves Saint Laurent a inventé en réponse des robes tricotées avec des applications sous forme de cœurs, de profils féminins, ainsi que de lèvres, interprétant récemment Edie Slimane. Après la collection "Mondrian" de Saint-Laurent en 1965, Stephen Willats a créé une robe similaire "Changing Sheets", mais uniquement à partir de vinyles nouveaux. Pierre Cardin a expérimenté le vinyle et Roy Halston a créé des robes avec les «Fleurs» de Warhol en 1964, citées par Miuccia Prada dans la collection printemps-été 2013.

Dans les années 1980, l’artiste Keith Haring, connu pour ses graffitis pop art, ouvrira le Pop Shop à New York, où il vendra des t-shirts avec ses œuvres. Vivienne Westwood travaillera également avec Haring dans les années 80 dans la collection Witches, où la Britannique reproduira les œuvres de l'artiste avec des couleurs lumineuses. Aujourd'hui, les œuvres de Haring sur des t-shirts sont appliquées par la marque Uniqlo, qui a également publié une collaboration avec le New York Museum of Modern Art. En 1991, le pop art fera à nouveau ses preuves: l’Italien Gianni Versace créera une robe moulante aux imprimés acidulés au pochoir, Marilyn Monroe et James Dean, rendant hommage à Andy Warhol. Un bustier de style showgirl, orné de strass et d'applications en tissu, complétera les couleurs incompatibles de la robe. La jeune Naomi Campbell apparaîtra dans cette robe et le président de Condé Nast, Nicholas Coleridge, notera que la cliente de Versace n'est pas grevée de "haute moralité".

Comment porter des choses inspirées par l'art, maintenant

Les designers ne sont pas la première saison à regarder l’art, puis à poser des imprimés de vêtements, à reproduire des artistes célèbres (Bosch et Gauguin sont souvent cités ici), puis à collaborer avec des artistes contemporains. Cependant, cette saison, l’accent a été mis sur le pop art, même s’il ne s’est pas passé de Gauguin (nous avons vu ses reproductions lors du spectacle Aquilano.Rimondi et de la collection de haute couture Maison Martin Margiela). Avec les années 60 et le pop art, la mode moderne est liée et la commercialisation de la mode et de l'art. La collection Prada est la manifestation la plus marquante du monde du pop art. Miuccia Prada a repensé le travail d’artistes contemporains et d’artistes de rue: Pierre Morne, Jeanne Détallante, Stinkfish, Gabriel Spectra et d’autres. De plus, plusieurs marques qui produisent des embrayages élégants sont devenues populaires: Sarah's Bag présente des œuvres de Roy Lichtenstein, Yazbukey crée des embrayages brillants sous forme de paquet de cigarettes ou de dentifrice, la britannique Lulu Guinness - sous forme de lèvres. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott et Ashish à propos du pop art, le chien a mangé: ici vous et Coca-Cola, et une estampe sous forme de prévention à la télévision.

En outre, Jeremy Scott, dans la collection de la saison suivante pour Moschino, présentant des robes enveloppantes, cite les premières choses créées pour la publicité en 1956, à savoir des robes et des jupes de la longueur du label midi Martini, entièrement ornées des logos de marque portés par les premiers fans de rock. rouler pour les boissons gratuites du festival. Christopher Kane crée des jupes avec une impression sous forme de couleurs répliquées, rappelant le travail des années 60. Raf Simons pour Christian Dior utilise la technique du pop art - la logomanie. Missoni est inspiré de la bande dessinée japonaise. Kenzo cite des graphismes modernes et des croquis au crayon. Prabal Gurung crée un hommage à Marilyn Monroe. Preen est appliqué à l'abstraction de la robe.

Plusieurs marques se sont immédiatement inspirées de l’expressionnisme abstrait, principalement des œuvres de Jackson Pollock et de Mark Rothko. Dans la collection Chanel, Lagerfeld a imprimé des vêtements sous forme de tâches de peinture éclatantes sur les vêtements et a orné l'espace d'exposition de 75 œuvres d'art portant les symboles de la maison Chanel; Les peintures, sculptures et installations postérieures au spectacle ont été transférées au Grand Palais à Paris. Avant de quitter Jil Sander, Gilles Zander a également inclus plusieurs archets avec des estampes abstraites dans sa dernière collection printemps-été monochrome. Phoebe Failo a publié la collection Сéline, semble-t-il, assortie au fauvisme et à une grande exposition. "Henri Matisse: Les découpes, qui vont à la Tate Modern jusqu'en septembre, même Calvin Klein inclut un arc avec des estampes abstraites.

Comme le dit le designer britannique Jonathan Anderson, présentant des collections à but non lucratif auxquelles les critiques songent depuis longtemps: "Pour moi, la mode n'a jamais été une forme d'art. On ne peut pas comparer un artiste et un designer. La mode et l'art sont aujourd'hui commercialisés." La différence est que l'art ne tombe pas sur les ventes, mais au contraire, au fil des ans, son prix a augmenté, mais une robe rare est entrée dans le musée de la mode.

ATTENTION!

Les petites marques démocratiques aiment depuis longtemps utiliser l'art à des fins commerciales, mais elles le font généralement de manière frontale. Méfiez-vous des sweatshirts douteux ou des sacs avec des reproductions de Bosch, Van Gogh ou une boîte de soupe Campbell. Si vous n'êtes pas prêt à payer pour le travail d'un grand artiste portant une jupe onéreuse, il est préférable de choisir des impressions abstraites, par exemple dans la collection Zara. Un bon achat sera une chose de la collaboration avec des artistes contemporains. Et rappelez-vous l'essentiel - les choses inhabituelles exigent une manipulation minutieuse: combinez-les avec quelque chose de minimaliste et laissez l'excentricité hypertrophiée à Joan Aguzarova et Andrei Bartenev.

Photos: Tate Modern, Getty Images (4)