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Les concept stores, les palais et Khrouchtchev: comment la mode interagit avec l'architecture

Pour créer un produit de mode unique Les concepteurs se tournent vers un grand nombre de références: sculpture antique, œuvres de Zaha Hadid ou Peter Zumthor, peintures de Timur Novikov ou Yves Klein, conceptions complexes de monolithes d'Ai Weiwei ou de Lee Chen, dessins industriels du groupe Memphis - la liste est interminable. Cependant, les éléments conceptuels et leur promotion nécessitent un contexte approprié: pour une immersion totale du public et des clients dans l'atmosphère de la collection, les concepteurs recherchent ou construisent des sites particulièrement impressionnants. Nous racontons comment l’architecture a remplacé cette année la passion des créateurs de mode pour l’art moderne et pourquoi les concepteurs assument le rôle de guides sur des bâtiments incroyables.

Sculpture, design industriel, architecture, mode - tous ces territoires sont contigus, à la jonction de laquelle des couturiers religieux ont œuvré au XXe siècle: Charles James, Christian Dior, Paco Rabanne, Cristobal Balenciaga. À l'instar des architectes, les designers de vêtements développent une coque pour une personne mais, contrairement à l'ancien, créent un objet conçu pour exister en mouvement. L’histoire du couturier américain Charles James, dont la maison de couture a été fermée en 1958, est un exemple frappant d’une mode très controversée qui a été vaincue. Les objets de ce perfectionniste, bien que magnifiquement construits, étaient des objets d'art plutôt que des vêtements, écrasant une personne pour elle-même: même selon les normes du temps, les porter revenait à se tirer une maison entière. Cependant, les étudiants modernes des collèges de la mode sont aussi trop friands de dessins fantastiques, oubliant l’utilité et la triste expérience de leurs prédécesseurs. Cela est évident dans les derniers travaux de Central Saint Martins, du London College of Fashion, du Royal College of Art.

Christian Dior, malgré la sévérité et le désagrément des projets de ses affaires, réussit néanmoins à faire une révolution dans les années cinquante. Il a approuvé la nouvelle forme et la nouvelle silhouette féminine et a également rendu la maison Dior incroyablement populaire. "Je voulais être architecte, alors en tant que designer, je respecte les principes de l'architecture. Lors de la conception d'une robe, vous tenez compte des lois de l'architecture et de la gravité", a déclaré Dior. Aujourd'hui, tout, des boutiques de marques aux lieux où sont présentées les nouvelles collections de Christian Dior, fait écho à l'approche du fondateur de la maison de couture. Pour montrer la collection couture d’automne, un espace composé de vitraux abstraits géométriques a été spécialement conçu. Le spectacle de la collection de croisières s'est déroulé sur la Côte d'Azur au «Palais des bulles», chef-d'œuvre surréaliste et futuriste de 1989 de l'architecte Antti Lovag. Tout cela afin de souligner l'esprit de la collection et l'ADN de la marque. Au fait, l'imagination stupéfiante d'une villa aux hublots sphériques appartient aujourd'hui à Pierre Cardin, âgé de 92 ans, admirateur du dessin abstrait et de la géométrie de la mode.

Aujourd'hui, le spectacle ne peut plus être qu'un spectacle. Grâce aux paysages impressionnants et aux scénarios de divertissement du spectacle Chanel, Karl Lagerfeld est connu même des plus éloignés de la mode. Lagerfeld chaque saison la ville à l'intérieur de la brasserie du Grand Palais, le supermarché. Parmi les architectes (et pas seulement), Karl s’intéresse particulièrement aux superstars: il n’est pas surprenant que Chanel collabore avec la principale femme de l’architecture mondiale Zaha Hadid. En 2008, Zach a conçu le pavillon mobile de Chanel, qui a parcouru le monde de Tokyo à New York. En 2012, afin de présenter la collection printemps-été de Chanel, elle a construit les impressionnantes décorations enneigées du Grand Palais.

Cette année, Lagerfeld a déplacé le salon de la collection de croisières 2016 à Séoul, dans le bâtiment encombrant de son auteur - Dongdaemun Design Plaza. Il reste à attendre une collaboration. Néanmoins, Zach est connu non seulement pour travailler avec des volumes monumentaux en architecture, mais également pour sa coopération avec les marques de mode. Zaha est engagée dans le développement de gadgets portables, de bijoux et surtout de chaussures. Pensez à ses bottines en métal pour United Nude, ou ses baskets à Lacoste. L'architecte est maintenant impliqué dans une collaboration avec adidas Originals et Farrell Williams.

Un autre pilier de la mode mondiale, Louis Vuitton, collabore avec l'architecte Frank Gehry, celui-là même qui a construit le musée Guggenheim à Bilbao, créant ainsi la mode des attractions du bâtiment des années 1990. L'année dernière, Gehry a construit un bâtiment en verre spectaculaire pour la fondation Louis Vuitton et a également conçu les vitrines des boutiques Louis Vuitton pour la présentation de la première collection de Nicolas Ghesquière. Il a même créé un sac dans le cadre du projet Icon et The Iconoclasts. La marque continue de soutenir l'approche architecturale de Hesquiera dans la conception des choses. Pour la collection 2016 de poulet, Louis Vuitton a été choisi comme manoir Art nouveau des années 1950 appartenant au comédien américain Bob Hope et situé dans le désert de Palm Springs en Californie.

L'architecture et la mode, plus que d'autres formes d'art, sont associées à l'homme, façonnant et saturant les espaces publics.

L'architecture et la mode, plus que d'autres formes d'art, sont associées à l'homme, façonnant et saturant les espaces publics. Il est logique que ces deux domaines se complètent harmonieusement. Cependant, l’architecture avant-gardiste est aujourd’hui inférieure à l’architecture plus pratique. Les vêtements et les chaussures avant-gardistes sont remplacés par des chaussures simples, abordables et fonctionnelles, qui correspondent davantage à notre rythme effréné de vie et à notre économie. Après la crise de 2008, les architectes stellaires commandent de plus en plus de mini-chefs-d'œuvre - des boutiques, où l'organisation de l'espace et de la décoration d'intérieur doivent à la fois démontrer les marques de l'ADN et promouvoir les ventes. La même Zaha Hadid construit la boutique Neil Barrett à Tokyo, la boutique Norman Foster - Joseph à Londres, Roksanda Ilincic commande la construction du minimaliste tempêt londonien David Adjaye, auteur du projet Skolkovo School of Management. La boutique de Christian Dior à Séoul est conçue par l'architecte français postmoderne Christian de Portzampark, qui a reçu le prestigieux prix Pritzker. Le bâtiment ressemble à des rideaux coulants sur les robes de Christian Dior.

"La première coquille, la plus proche du corps humain, est le vêtement. La seconde est l'intérieur. Le troisième est le bâtiment qui constitue la ville où la personne habite. La mode et l'architecture agissent donc de la même manière: ils créent pour la personne un environnement dans lequel Pour un designer, un plan est un corps humain, ses proportions, il crée, comme l’architecte, une nouvelle enveloppe, une nouvelle esthétique visuelle, ainsi que des vêtements, comme l’architecture, pouvant influencer l’état psychologique d’une personne. des conditions météorologiques à Dans la chanson du groupe “SPBCH” - “quand on met un capuchon et que ça devient plus facile”, partage Galya Chepkina, fondatrice de la marque moscovite Gaito.

Les dix années de collaboration entre Prada et Rem Koolhaas, fondateur du bureau d’architecture de l’OMA, qui a conçu le nouveau bâtiment du garage, sont un autre exemple frappant de l’interaction de la mode avec l’architecture. Kolahas est responsable de presque tous les spectacles Prada, masculins et féminins, ainsi que de Miu Miu. Pour le spectacle, l'architecte construit des pavillons vides à partir de rien, les transformant en boîte de nuit dans l'esprit des années 1990, puis en "maison idéale" ou en piscine. Kolkhas et Prada collaborent sur de plus grands projets. En 2009, OMA a construit une impressionnante boutique de transformateurs pour Prada à Séoul et a récemment achevé le centre d'art Prada Foundation à Milan. Le bureau de Kolkhas a transformé une ancienne distillerie en un nouveau centre d'art combinant l'ancien et le nouveau. Le centre d'art de la Fondation Prada est un exemple de la façon dont l'architecture moderne s'est orientée vers la démocratisation et la décentralisation, des bâtiments bien pensés et modestes et le respect du territoire et des bâtiments existants.

Pour les maisons de couture d'aujourd'hui, l'étape logique du développement est l'utilisation de l'environnement, la mode s'allie à l'urbanisme, à la modélisation sur ordinateur. Les timbres sont activement utilisés pour le développement d'espaces et de bâtiments urbains. Cette année, pour la présentation de la collection de croisières 2016, Gucci a sélectionné l’arrière-plan du paysage urbain le plus emblématique du XXe siècle: l’architecture de New York, modèle phare des 10e et 11e avenues. Ainsi, Gucci a montré à quel point le style audacieux d’Alessandro Michele ira dans les rues de l’une des villes les plus dynamiques de notre époque. Bien sûr, l’idée «la mode vient des rues et retourne dans les rues» n’est pas nouvelle. Il suffit de rappeler les spectacles de rue du groupe "Buffalo" des années 80, Chloe Sevigny dans les rues de Soho au spectacle X-Girl du milieu des années 90 et le spectacle de Marc Jacobs. Mais même aujourd'hui, on veut voir des vêtements dans les rues ordinaires plutôt que sur un fond de verre et de béton conceptuellement tordus.

Les organisateurs de l'exposition de Florence, Pitti Uomo, ont trouvé le moyen idéal d'interagir avec l'architecture. Et nous parlons de toute la ville. Les timbres maîtrisent les anciennes cours italiennes, les jardins luxuriants et les palais baroques. Ainsi, Ports 1961 a présenté cette année une nouvelle collection pour hommes dans les rues de Florence, sur la place Onisanti. Moschino a grimpé dans les salles baroques de l'ancien palais Corsini du XVIIe siècle. Kilgour a montré des choses dans le palais de la famille des Médicis au centre de Florence. "Avec l'aide du tissu, je travaille sur l'architecture corporelle. La forme, la fonctionnalité et la géométrie correcte sont la clé de la création de vêtements", explique Carlo Brandelli, directeur artistique de Kilgour, qui a commencé comme sculpteur. "L'architecture crée l'environnement dans lequel vous devez vivre. . D'où le format minimaliste de la présentation: un labyrinthe en verre transparent a été placé dans la décoration baroque du palais des Médicis, où un homme était seul dans un costume parfaitement ajusté.

Un autre exemple est la présentation du prodige canadien, le designer Thomas Tate chez Pitti Uomo, qui a reçu une subvention il y a un an de la plus grande entreprise de mode LVMH. Thomas, proche de l'architecture des choses, a collaboré avec l'architecte Mehrnush Hadwi. Ensemble, ils ont construit un couloir de miroirs dans les jardins de Boboli, où des boucles d'oreilles à LED, des bottes surréalistes, des sommets les plus minces et des vestes grossières flottaient littéralement dans les airs. Derrière Hadwi - travail sur la boutique new-yorkaise Nicholas Kirkwood. La place réservée à la présentation de Tate rappelait en partie l’espace minimaliste de la boutique et l’exposition, où l’attention était centrée sur le travail difficile réalisé sur mesure. En fait, il s’est avéré que le format idéal pour une marque jeune montre une incroyable qualité de performance. Tate voulait que les gens examinent chaque chose de près et la touchent.

Des showrooms impressionnants complètent la mythologie des choses racontées et montrées en détail.

Des spectacles impressionnants complètent la mythologie des choses, racontée et montrée en détail. Les créateurs de marques russes progressistes le comprennent aussi: tout d’abord, le spectacle de Rubchinsky vient à l’esprit au stade de Sokolniki et à l’église de Baumanskaya, ainsi que les spectacles Walk of Shame à la maison d’été du comte Orlov à Neskuchny Garden et dans le bâtiment constructiviste de la Maison centrale des artistes. En même temps, le long podium sans visage du Manezh ou celui de Gostiny Dvor lors de la Fashion Week russe avec un défilé de marques différentes ne veulent pas être oubliés: il est évident que les organisateurs ont pensé que l’interaction avec l’espace historique était la dernière chose à faire, qu’elle ne la percevait qu’en mètres carrés.

"L’architecture et la mode interagissent tout le temps avec le corps. La mode est en contact direct, l’architecture absorbe une personne dans leurs espaces. Dans les deux cas, elle détermine le sens de soi, l’humeur, la libération ou la suppression de la personne. Ce sont des concepts indissociables. Dès que vous achetez une nouvelle robe, Vous avez un besoin urgent d'un grand espace. Fini la rénovation - mis à jour la garde-robe ", explique la jeune designer russe Alisa Kuzembaeva. Alice a un diplôme d'architecte." Chaque jour, nous faisons ce que nous comparons. Et les coups de vent notre garde-robe en sortant de la maison ". En effet, les vêtements ne peuvent pas être perçus séparément du support dans lequel ils sont portés.

À l'école Bauhaus, on croyait que des espaces inhabituels modifiaient la communication entre les personnes et que, grâce à ces bâtiments, la société deviendrait plus progressive et plus humaine à l'avenir. En partie, la mode peut aussi se voir confier une telle mission. Nous aspirons instinctivement à l'harmonie, quelle que soit la manière dont les idées changent au fil du temps - les bâtiments et les vêtements que portent les personnes qui les habitent créent un cocon visible mais pas toujours conscient autour de nous. En conséquence, les deux peuvent transformer l’environnement urbain pour le meilleur, en le rendant agressif et hostile. C'est pourquoi les stylistes, qui sont parfois trop désireux de réaliser le globalisme ou l'universalité, devraient toujours se souvenir de l'environnement dans lequel leurs vêtements vivront et seront portés. C'est pourquoi la mode italienne de la rue sera toujours différente du russe et du russe - de l'américain ou du japonais. Après tout, quoi qu’on puisse en dire, il serait préférable que l’or baroque s’intéresse au palais «bouclé», tandis que le constructivisme moscovite et le si beau Khrouchtchev, de magnifiques baskets, des séances d’entraînement confortables et des robes aux formes rigides sont parfaits.

Photos: Shutterstock, (Gracieuseté de Pierre Cardin), (Gracieuseté de Dior), indigitalitalia.com/Pitti Uomo, AKAstudio-collectif / Pitti Uomo

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